El mundo sería más feo sin Banksy: las 60 obras que han cambiado para siempre tu forma de vivir

La destruyeron a propósito. Todo estaba planificado. Primero, la subastarían por un millón de libras. Después, la triturarían con una máquina escondida en el marco. Y, de inmediato, ojo, Niña con globo duplicó su precio. Aquella estampa en Sotheby's corrió como la pólvora por redes sociales. Nadie entendía cómo la obra más popular de Banksy había acabado así. Al día siguiente, el artista británico publicó un texto citando a Pablo Picasso: "El impulso de destruir es también un impulso creativo". Una crítica al capitalismo que tantas veces ha retratado desde que debutó en los 90. Su figura ha sido clave para comprender la dimensión simbólica del arte urbano: un arma de expresión para quienes no tenían cabida en la sociedad. La Fundación Canal les da voz en Arte urbano. De los órigenes a Banksy, una exposición que narra su evolución desde los inicios hasta su consolidación.

"No ha sido fácil seleccionar estas 60 obras. El resultado es excepcional. ¿Debe estar el arte urbano en los museos? Sí, claro. La calle ha sido el taller de estos creadores", ha explicado Patrizia Cattaneo, comisaria. En la muestra, abierta al público hasta el 3 de mayo, se redefine la relación entre creación artística, espacios públicos y sociedad. Y, para ello, analiza los momentos clave de su historia, atendiendo tanto a sus raíces clandestinas como a su progresiva institucionalización, sin perder de vista las tensión que siguen definiendo al movimiento.

El recorrido, salpicado con piezas de Jean Michel Basquiat, Keith Haring, Blek le Rat, Invader, SUSO33, El Xupet Negre y PichiAvo, entre otros, está organizado en siete etapas. En la primera se aborda el nacimiento de esta disciplina, poniendo el foco en el Nueva York de los 60: "Todo empezó en el Bronx, gracias a artistas que no eligieron las armas para expresar su opinión, sin un bote de spray". Lo que arrancó como una firma rápidamente se convirtió en un sistema de estilos y estrategias de ocupación que transformaron la urbe y sus infraestructuras en un territorio en disputa como respuesta a la marginalidad y la desigualdad. "Tenían que ser rápidos, actuar a escondidas. Y, así, poco a poco, la ciudad les dio su lugar aunque aún no se hablara de arte", ha apuntado Cattaneo mientras señalaba las piezas más destacadas de esta propuesta.

A partir de los 80, las galerías comenzaron a interesarse por unas prácticas que demostraban una enorme potencia estética y conceptual. Lenguajes, técnicas y soportes fueron ampliándose hasta considerarse una forma de arte de pleno derecho. Su llegada a Europa fue clave: ciudades de fuerte carga histórica, de repente, sin esperarlo, vieron cómo sus calles se llenaban de poesía visual. Y, claro, la pared dejó se de ser un espacio de confrontación para ser un lugar de diálogo entre la arquitectura, la memoria y la identidad.

El fenómeno SUSO33

En España, el impacto de grafiti dio lugar a una de las interpretaciones más originales. En Madrid, concretamente, el final de la dictadura y la efervescencia cultural de La Movida generaron un contexto singular donde esta técnica se alejó de la agresividad visual del modelo estadounidense para buscar una relación más armónica con la ciudad. Uno de los artífices de este salto fue SUSO33, presente en esta sección. Sus Ausencias, siluetas fluidas realizadas con gestos y trazo rápido, delineadas con una línea continua, son presencias en movimiento que expresan estados de soledad y abandono. Aparecen sobre muros en áreas deprimidas que sufrieron políticas urbanísticas injustas. "Descubrí un mundo que me permitía poner en valor los contextos culturales. Y, de ahí, a las figuras humanas y su contexto", ha señalado el artista.

Los 2000 marcaron un punto de inflexión gracias a la cantidad de miradas que se habían gestado. La irrupción de la redes sociales cambió el paradigma para siempre: a partir de entonces, las obras ya no sólo exitían en el lugar donde fueron concebidas, sino que podían reproducirse, compartirse, reinterpretarse... Y, por tanto, su visibilidad se disparó. "Cada vez aparecen más y más técnicas. Súper variadas. Cada artista tiene la suya propia", ha subrayado Cattaneo.

¿Un acto delictivo?

El portugués VHILS, por ejemplo, revolucionó el panorama trabajando sobre el muro por sustracción. Mediante el uso de cinceles, taladros y explosivos, excavaba en las capas de los edificios para hacer emerger rostros y figuras transformando la herida arquitectónica en un acto de memoria. En la piedra Oxidra, el cemento y la oxidación se combinan para evocar la erosión y el paso del tiempo. Algo similar a los procesos que encararon el polaco NeSpoon, la austriaca Chinagirl Tile y el francés Gregos. Tampoco faltan artistas que mantienen vivo el diálogo con las raíces de la cultura pop, reinterpretándolas desde nuevas perspectivas: el suizo Big Tato, el inglés Pure Evil, el italiano TVBoy...

Por último, la exposición acaba con un monográfico a Banksy: es uno de los fenómenos culturales más influyentes del arte contemporáneo. A través del esténcil, una técnica que le permite rapidez y precisión, ha convertido sus creaciones en un lenguaje visual de alcance global, capaz de circular entre contextos muy diferentes sin perder claridad. Uno de los rasgos centrales de su práctica es el uso estratégico del anonimato: una ausencia que ha reforzado su libertad de acción. "Es el artista más seguido en Instagram. Es pacifista, ayuda con sus obras", ha añadido la comisaria. Una popularidad que no siempre ha contado con el apoyo social. Hay quien, incluso, hoy, sigue considerando su obra un acto delictivo. Un debate que inunda la última sala. ¿Arte o vandalismo? Que cada uno saque sus conclusiones.